Abbas akhavan

SLUG, 2020, vidéo

Sur l’écran noir, le mot [CRICKETS] apparaît et disparaît en silence selon une pulsation lente comparable aux variations sonores des criquets. Dans les images suivantes, le rôle principal est tenu par une fleur de muflier en très gros plan. Pressés par les doigts de l’artiste, ses pétales courbés autour du pistil s’ouvrent et se referment. Une succession de sous-titres énumère, à la première personne du singulier, la liste des cauchemars les plus répandus. Cette cohabitation entre le texte et la fleur apparente cette dernière à une sorte de bouche, ce qui nous rappelle que nous observons le plus souvent le monde sur un mode anthropocentré. En réalité, cet exercice de ventriloquie paradoxal, puisque silencieux, nous concerne. Seuls les sous titres « parlent », tandis que nous prêtons intérieurement notre « voix » à la fleur activée par Akhavan. Le langage des plantes n’est pas le nôtre. Le réflexe de l’identification est absurde et souvent réducteur. Le mot « slug » désigne à la fois une limace et la partie noire des cadres dans le montage vidéo.

CATARINA SIMÃO

Archives du changement-la fin des nuits-mozambique-canada

2024, vidéo

By awakening forgotten histories and giving voices to those erased by victors, artists provide a second life to archived knowledge and dormant visual and audio records. They serve as our guides through the archipelagos of our collective memory. Since 2009, the Portuguese artist Catarina Simão has delved into the concept of archives in Mozambique's anticolonial and revolutionary history. She explores and resurrects the cinematic archives of the liberation movement in Maputo, uncovering connections forged in the 1960s between Mozambican independence movements and Canadian activists and filmmakers, some of whom were from Québec. Simão's journey took her to Canada in search of these voices, with a particular focus on Ron Hallis (1945–2006), whose name is credited in nearly every film from 1978 to 1987. Rather than providing a neatly defined political representation, as history often does, Simão's film reveals the challenges of creating an 'archive of change' that disrupts the uniformity of established narratives on revolution, war, feminism, and emancipatory processes. The act of filming, editing, and the associations Simão provokes open up her research findings to numerous resonances, connections, and revelations.

Christine rebet

a lullaby, 2012, vidéo

Directed by Christine Rebet
Director of Photography: Samir Ramdani
Editing: Rini Yun Matea
Animal Tamer: Mathilde
Halberg l Cockatoès: Coockie
Voice: Christine Rebet

Christine Rebet reads two texts that respond to each other from a distance, in two distinct locations and two separate works. American composer John Cage’s A Lullaby (1993), is mimicked in English by a cockatoo. The French version of Nuit, by the Lebanese artist Etel Adnan (2017) is embodied by an owl in the dark. Both birds come to life as these poetic texts are read without expression, following the rhythm of a chorus. A voice gently rocks us. An animal briefly embodies it. Two languages, familiar or not, add their own accents and colours. The tiny displacements the artist activates and the birds’ mesmerized gazes suspend us in the act of listening.

elodie pong

does the world look greener through green eyes?

2024, granit mousse vivante

Elodie Pong greffe différentes espèces de mousses locales sur neuf pavés de granit. Il en résulte une constellation de paysages « portables ». Selon l’artiste, les pavés sont simultanément des éléments de construction urbaine et, dans la mythologie de l’agit-prop, des matériaux pour les barricades et des « munitions » pour les manifestants. Elle les a choisis pour ce lien entre construction et destruction, rappelant qu’il faut parfois changer ce qui est en place pour autoriser l’émergence de quelque chose d’autre. La particularité de la mousse est qu’elle se développe à un rythme glaciaire : depuis des millions d’années, elle a survécu à toutes les transformations climatiques et à leur accélération. Microcosme, elle sert d’habitat à de nombreuses espèces, bactéries, nutriments, et à son échelle spatiale minuscule, elle contribue au vivant dans un temps très long. Elle n’a pas de racines, mais des rhizoïdes (poils racinaires) qui restent en surface, et les différentes sortes de mousses se reproduisent par fragmentation ou confient leurs spores au vent. Certaines d’entre elles peuvent passer des années à dormir, pour se ranimer à tout moment et en quelques minutes au contact de l’eau. Cet organisme migrateur est doté d’immenses capacités de survie. L’œuvre associe deux termes apparemment éloignés : un élément végétal, plus ancien et plus résistant que notre espèce, avec un artefact minéral issu du jeu de cube géant des entreprises humaines.

Emily wardill

sleep patterns and musical chairs, 2023, vidéo

This work fills the space with hallucinatory renditions of national anthems, selected and rewritted by Emily Wardill and played by the Portuguese pianist Daniel Bernardes. Simultaneously, light casts patterns onto the room’s architecture, similar to the fleeting reflections of passing car headlights on a ceiling at night. These unintentional, moving reflections, evocative of insomnia, integrate the surrounding architecture into the work, creating an element of theatricality where everything is reconfigured like the set-up of lights for a movie or a stage. The projections and musical scores are intentionally presented as crafted artifacts and as representations of the ideologies of the nation-states. Wardill characterizes these representations as alluring yet ultimately purposeless projections. Over time, they gradually deteriorate right before our eyes.

eveline boulva

les carnets des disparus

2022-2024, dessins photosensibles

The twenty-five drawings that make up Les carnets des disparus [the notebooks of the disappeared] are based on photographs and stem from the artist’s observations of glaciers during a trip to Newfoundland. In literature, a “carnet,” or notebook, is a medium for writing, a memory tool. These drawings, with their torn edges, come from the same spiral-bound notebook. Each page represents an iceberg; its location, the observation date, and its geographic coordinates are inscribed at the bottom of the page, like an inventory record. Except for the contour and inscriptions, the drawings were made with a photosensitive blue-lead pencil that gradually fades over time, depending on its exposure to light. Viewers can identify the five most recent drawings, the ones Eveline Boulva is presenting for the first time, based on the darkness of their lines. The image’s disappearing process directly evokes the accelerated pace at which ice floes are breaking up, and more broadly the devastating effects of climate change. The “disappeared” aren’t people, but rather the main elements of the glacial landscape. This ambivalence underlines how humans are inextricably linked to the territories they inhabit and brutally exploit. In this way, Eveline Boulva’s poetic act of recording takes on a political dimension.

françois morelli

rythme circadien

2024, ensemble de draps de lit, taies d’oreiller

In the lobby of Espace Quatre Cents, François Morelli’s installation serves as an introduction to the Biennale. Visible from outside the building, it beckons passersby, inviting them in. Once inside, it offers visitors the freedom to sit, lie down, and observe its evocative images and thought-provoking texts or engage in conversations and talks. The orthogonal seating arrangement consists of chairs and mattresses that provide multiple viewing angles from which to explore the work. The inscriptions Morelli has printed on the hanging fabric—a mix of screen printed texts and stamped imagery—echo many of the works he’s produced since the 1990s. In reference to Article 5 from The Universal Declaration of Human Rights, also represented in a previous piece (1998), this iteration focuses on the right to sleep: “No one shall be subjected to torture or to cruel, inhuman or degrading treatment of punishment.” Initially conceived for La Chambre Blanche and then for a symposium at the Université du Québec à Trois-Rivières, this work has been reimagined by Morelli specifically for the biennial, much like he did with Le somnambule.* This principle of revisitation and reinterpretation extends to Morelli's entire body of work, demonstrating his tendency for creating variations, reactivations, and updated versions of his art. The living, poetic dimension of his pieces adds depth to their interpretations, allowing the meaning behind each piece to evolve and grow richer over time.

*Another artwork of François Morelli can be found at the Parc-de-l'Artillerie.

francis alŸs

perro durmiendo, 1999–2006, vidéo

La pratique de Francis Alÿs débute à Mexico à la fin des années 80, avec des déambulations exploratoires qui donnent lieu à des formes de relevés (photos, notes, dessins, peintures…). Il en découle des actions performatives, comme lorsqu’il pousse un bloc de glace dans les rues jusqu’à complète évaporation. La modestie de leur échelle lui permet de littéralement traverser la complexité du contexte urbain. Une stratégie qui déjoue au passage les partages de la métropole mexicaine entre programmes de la modernité et proliférations vernaculaires. Ici, l’artiste est derrière la caméra et capture au niveau du sol des chiens endormis dans les rues de Mexico. Ceux-ci s’abandonnent à leurs rêves dans l’espace public, parfois agités par une pensée ou une sensation. Errants, ils n’ont aucun maître, à rebours de l’image de domesticité associée à leur espèce. Ils mènent une vie sauvage et citadine, réduisant à néant les hiérarchies globalisées entre ville et nature.

song for lupita (Mañana)

1998,installation sonore avec film d’animation

L’installation Song for Lupita est un manifeste discret en faveur des occupations sans fin et sans objet, autour d’un film d’animation. Pour souligner le fait que ce cinéma est principalement chronophage, l’artiste accompagne ici les quelques secondes d’images en mouvement des innombrables dessins qui les constituent. Sur l’écran, Lupita vide un contenant dans un autre et inversement, le tout en boucle, donc à jamais. L’image est hypnotique. Simultanément, une ritournelle, Mañana, mañana is soon enough for me (Demain, demain, c’est bien assez tôt pour moi), propose de ne pas s’engager dans l’instant, de remettre les choses à plus tard. Plus qu’une tâche sisyphéenne, c’est d’un éternel retournement de situation qu’il s’agit. Le principe est presque une méthode chez Francis Alÿs : Parfois, faire, c’est ne rien faire. Parfois, ne rien faire, c’est faire. Les heures qui s’écoulent, ici littéralement, sont du temps perdu, un temps ordinairement voué à l’anxiété ou à la réprobation. Les idéologies du progrès qui constituent la modernité occidentale bannissent les gestes infructueux et les moments « d’absence ». C’est pourtant dans cet espace déprécié qu’opère l’artiste : lorsque notre rationalité et notre volonté sont en suspens. Ces états seconds, oisifs ou assoupis, donnent la possibilité d’inventer – par exemple du temps, de la disponibilité, des mondes…

Joachim Koester et Stefan A. Pedersen

Insect silver noir, 2018, œuvre sonore, 18 minutes
The Sleep of Bones and Trees, 2024, oeuvre sonore, 18 minutes

Texte : Joachim Koester
Son : Stefan A. Pedersen
Voix : Shauna Cummins

La série des méditations fait l’objet d’une collaboration durable entre Joachim Koester et Stefan A. Pedersen, dont les pratiques distinctes sont pluridisciplinaires. Koester s’intéresse à des faits ou à des récits qui redistribuent les relations entre corps et psyché – rituels religieux ou magiques, performances, conceptions alternatives du corps, états limites… Pedersen travaille sur la construction de l’histoire et l’instabilité des relations entre passé et présent, explorant un territoire exempt de déterminisme. Il a construit pour chaque texte un paysage sonore immersif qui développe des nuances d’écoute inusitées. Ces projets nous font traverser des lieux imaginaires ou oubliés, comme dans une mémoire externalisée que notre attention flottante métamorphose en expérience. Ils entraînent une reconnexion avec des souvenirs ou des savoirs corporels souvent peu accessibles ou identifiés, aux marges de l’éveil et du sommeil. L’exercice prend un caractère collectif dans l’espace de l’exposition, tandis que l’écoute reste subjective, l’impact du son étant ancré dans le repos du corps. Insect Silver Noir nous mène à travers un univers de plantes étranges, alternativement obscur et lumineux. La nouvelle méditation explore la marge du sommeil, ce moment où nous nous défaisons des définitions que produit en nous la vie quotidienne.

©Bergen Kunsthal

joseph tisiga

titre à venir, 2024, aquarelle sur papier

Les aquarelles de Joseph Tisiga forment depuis 2009 un noyau narratif dans une pratique plus large incluant la peinture, la photographie, des installations et des performances. La tradition de l’illustration y rejoint celle des paysages militaires, les premières « cartes » du Canada des 17e et 18e siècles qui ont contribué à une vision romantique du pays. Il s’agit de la manière dont la fiction et la théâtralité construisent un monde à la mesure des vainqueurs, tradition que Tisiga détourne, associant haute et basse culture. Tisiga recourt à des sources hybrides dans l’histoire, dans la réalité contemporaine, mais aussi dans le domaine d’un imaginaire fantasmatique. Il revendique la multiplicité des influences occidentales qui contaminent la place de la culture de sa communauté Kaska Dena, se refusant à la nostalgie et au folklore. Il intègre cette multiplicité dans l’enregistrement d’un monde dont nous sommes parfois les témoins impuissants, et dont il n’exclut ni la fiction, ni les stéréotypes, ni le fantastique. Cette série produite pour la biennale s’intéresse aux figures prodigieuses qui naissent au bord du sommeil, aux formes et aux histoires qui nous traversent et forment l’arrière-plan fantomatique de notre repos et de notre imaginaire culturel.

Kapwani Kiwanga

semence, 2020, Répliques de grains de riz

Research conducted by ethnobotanist Tinde Van Andel revealed that the rice variety Oryza glaberrima was introduced to the Americas from Africa by men and women who had been forcibly displaced. Hiding grains of rice in their hair allowed them to bring part of their environment with them, and provided a means of survival and escape. Kapwani Kiwanga's installation features hundreds of ceramic rice grain replicas arranged in a grid on a white base. These act as tiny clues to an episode in the history of the transatlantic triangular trade: that of the slave. Abstract and cold, the structure serves as a catalyst for various interpretations related to hidden history and forgotten knowledge. Here, Kiwanga challenges the established narratives of official and unofficial history. Kiwanga, who has a background in anthropology, highlights an alternative history that exists outside of traditional historiography. The propagation of exogenous plants in new lands is historically associated with colonial enterprise. Semence reminds us that the movement of living beings on our planet is marked by exploitation and resistance.

© Kapwani Kiwanga / Adagp Paris / CARCC Ottawa 2023

Liz magor

sleeping bag, 1999, Caoutchouc, polyuréthane, tissu

Les installations de Liz Magor introduisent le trouble dans nos perceptions parce qu’elles comprennent des sculptures autant que des objets ready-made. Ici, la citation d’un objet courant se mue en artefact, et l’artiste a mis l’accent sur un aspect dysfonctionnel. Le sac de couchage appartient au vocabulaire du camping, des incursions dans un monde non urbain, et à la fois à celui de la survie au quotidien pour les sans-abri dans les villes. Magor a créé différentes pièces autour de cet objet dont elle parle comme d’un dispositif de protection clairement insuffisant. Le corps n’est pas invité à y entrer pour s’abriter. Le polyuréthane et le caoutchouc sont des matières peu coûteuses associées à la transpiration et à l’inconfort. Les perforations à la hauteur de la tête évoquent l’étouffement et la mort. Entre le matelas et le suaire, la forme aux proportions humaines est très inquiétante. Elle évoque un corps plus qu’elle ne l’attend, comme un substitut indésirable. Face à elle, nous sommes suspendus à nos interprétations plus qu’abrités dans des identifications.

tent

1999, Caoutchouc en silicone, tissu

Tent évoque d’autant plus le corps humain qu’elle se tient debout. La tente, une surface et un volume qui recouvrent et protègent, a été transformée en une masse de silicone impénétrable pourvue d’une protubérance à la hauteur de visage, avec une ouverture étroite, et doublée d’un tissu. L’idée d’une respiration, de l’enfermement s’associe à l’évocation d’un sarcophage détraqué. Comme dans Sleeping Bag, la proportion humaine accentue le caractère répulsif du matériau souple et sombre, comme calciné, et le tissu ordinaire ajoute l’image du mobilier bon marché et de quelque chose qui se déplie. Dans quel objectif? Nous n’en saurons rien. Nous sommes aux antipodes du fétichisme ordinaire : l’attribution fantasmatique de qualités humaines à une chose inerte et susceptible d’être possédée. Ici, le désir de pratiquer l’objet n’est pas requis, bien au contraire. Mais l’idée subsiste insidieusement.

Mounira al solh

Lackadaisical Sunset to Sunset

2018-2022, Lin brodé, structure et table en bois, son

Cette œuvre prend son origine dans les insomnies d’enfant de Mounira Al Solh à Beyrouth pendant la guerre civile. Lorsque les bombardements l’empêchaient de dormir, sa mère avait inventé un rituel : faire un trou dans son pyjama et le refermer en brodant. Al Solh réalise des tentes depuis 2017. Ce sont des espaces clos « portables ». Les séparations entre intérieur et extérieur sont marquées par des signes, écritures ou figures brodées, qui résultent d’histoires écrites dans ces espaces et inspirées par les communautés de femmes que l’artiste côtoie. Traditionnellement utilisées par des hommes de pouvoir pour se réunir, prendre des décisions, aller en guerre et exhiber leur puissance, les tentes sont réattribuées aux femmes. Porteurs d’images du corps, de récits d’émancipation et de résistance, ces objets s’attachent au monde domestique et à l’ornementation tout en affirmant une dimension politique. L’artiste a entièrement brodé cette tente – d’autres l’ont été collectivement. De façon rétroactive, elle a transformé un temps traumatique en un geste de soustraction en ne refermant pas les trous. Ils restent ouverts, comme les blessures de la ville de Beyrouth. Pour Les forces du sommeil, Mounira Al Solh produit une bande-son spécifique, avec les noms des degrés de sommeil en langue arabe.

moyra davey

Série d'impressions à jet d'encre, 2023, ruban adhésif, timbre, encre

Moyra Davey fait étroitement dialoguer différents médiums pour expérimenter des domaines parfois inusités. Grande lectrice, elle aime se plonger dans l’exploration de voix féminines méconnues. Ses photographies, ses films et ses écrits instaurent alors un jeu d’interprétations réciproques. Il en ressort des identifications perspicaces, ouvertes aux contradictions, qui inspirent des déplacements iconographiques ou narratifs. Le rapprochement entre la photographe française Alix Cléo Roubaud (1952-1983) et l’artiste Francesca Woodman (1958-1981) associe deux pratiques interrompues précocement, où l’image du corps nu est décisive. S’appuyant sur son admiration pour Justine Kurland (1969) et Shala Miller (1993), Davey leur rend également hommage – ou plus exactement « femmage » – en réactivant une sélection de leurs œuvres, mettant à l’épreuve ses propres capacités à s’exposer à la lumière naturelle devant l’objectif. Un cimetière ravagé par l’ouragan Sandy, photographié au Hasselblad à New York en novembre 2012, forme un contrepoint à ces séries, plaçant la relation du paysage à la figure humaine du côté d’une disparition annoncée. Ces quatre séries inédites – des tirages pliés et expédiés par la poste avant d’être affichés avec les marques de leur circulation – subissent un traitement particulier. Davey a recadré les images à l’impression, dissociant les tirages des cadres initiaux.

nour bishouty

Instructions to Fold, 2023-2024, bois, métal

On dit : tomber de sommeil. En déplaçant cette chute qui précède le sommeil sur l’objet même où l’on dort, Nour Bishouty a conçu une structure de lit télescopique dans la tradition du mobilier de campagne de la vie militaire. Le moment de défaillance et de vertige que l’on expérimente avant de s’endormir est ici associé à la possibilité de déplier et replier l’objet d’appui du corps. Ces variations potentielles produisent en retour une image ambivalente du sommeil – temporaire, mobile, escamotable. Et par ricochet, elles évoquent le corps qui y est attendu : en équilibre instable, susceptible de s’éveiller à chaque instant, invité à s’adapter et jamais véritablement « chez lui ». Bishouty met en parallèle la précarité du lien entre le corps, le repos et le territoire. Dans le contexte canadien, ce mobilier évoque les expéditions coloniales et des guerres de conquête, mais plus largement la question de la conquête qui traverse l’histoire humaine. Une question inscrite dans sa propre histoire : Palestinienne avant d’être Canadienne, Bishouty hérite des migrations et des exils d’un peuple déchiré par les violences externes et internes qui anéantissent les personnes comme le territoire.

paul cox

pavot, 2024, Toile libre, fil de fer, peinture acrylique

Transfuge de la forêt de pavots de la place d’Armes intitulée Morphée, une fleur solitaire est suspendue dans l’espace de l’exposition collective. Contrairement aux pavots de Morphée, la position tête en bas et la souplesse du matériau évoquent ici la conservation et le séchage des plantes. Et par extension, les traitements qui transforment ces fleurs bienfaitrices en fruits défendus, et les remèdes qu’elles peuvent fournir en narcotiques ou en éventuels poisons. Sculpture et peinture à la fois, ce pavot utilise la pesanteur pour habiter une architecture récente (2008) et très urbaine, composite, angulaire. Il tombe, sous l’effet des matériaux qui le constituent et de son poids, comme s’il expérimentait l’ivresse qu’il dispense parfois. Sa chute planifiée relève du renversement de situation, offre une divagation discrète, un flottement dans une construction qui défie le temps, l’usure et la gravité. Stupéfiant à sa manière, il nous propose un changement d’échelle, en sens inverse.

RAQS MEDIA Collective

sleep clock, 2018, Impression lenticulaire

Deux photographies représentant deux horloges apparemment figées et très semblables sont accrochées côte à côte. Le procédé d’impression « lenticulaire », souvent utilisé pour des cartes postales populaires, réunit littéralement deux images : l’une ou l’autre se présente à nous selon notre angle de vue. Sleep, Clock est une impression lenticulaire en deux exemplaires. Leur disposition crée l’infime décalage qui permet de voir simultanément un état de l’image à gauche, et l’autre à droite. Chaque cadran indique trois mots, aucun chiffre. Les deux aiguilles désignent deux de ces mots. D’un côté, Some Sleep Calms (du sommeil qui calme) renvoie au repos, et de l’autre, All Sleep Claims (toutes revendications du sommeil) au statut de ceux auxquels ce sommeil est compté puisqu’ils doivent le réclamer. Le sommeil est à la fois la condition minimale de la survie du corps et un droit menacé par de nombreuses cultures du travail, en particulier depuis la révolution industrielle. La mesure du sommeil est une question d’alternance et de résistance. Pour parvenir à cet abandon vital, il faut pouvoir disposer de soi.

sarah f. maloney

Evergreen, 2021, Acrylique sur canevas, cadres en OSB et acier

“Mountain Forest,” “Mossy Stone”… the names of ready-made paint colours used by Sarah F. Maloney are part of a synthesized landscape project. An arrangement of monochromatic stretched canvases in varying shades of green, some with a thin, neon orange border, divide the exhibition space. When examined up close, their surfaces reveal small bullet holes. This work brings together two distinct pictorial modes: the use of the vanishing point in Western art as reinterpreted by a gunshot, and the experience of immersive colour via the monochrome. However, the association of two disparate gestures—stretching and painting a canvas, firing at it with a rifle—presents the artist's specific experience within the Côte-Nord region. In 2014, Sarah F. Maloney accompanied a group of hunters on a three-week ethical hunting trip. This type of exercise requires one to move slowly, adjust one's gaze and body to the plant and animal world, and pay close attention to other species. By moving between the Evergreen paintings, we can, in turn, activate distinct modes of observation: to navigate in the environment in which we are immersed in, to take aim and look through…

tiffany shaw

my children, my mother, her mother and their mother, and their mother, and their mother, and their mother..... nitawasimisak, nikawiy, okawiya ekwa okawiwawa, okawiyiwa, ekwa okawiyiwa ekwa okawiyiwa.....
2021, mylar réfléchissant tissé

Dans le geste attentif du tressage qu’elle accomplit à grande échelle, avec le Mylar, un matériau qui ne s’y prête pas facilement, Tiffany Shaw aborde une multiplicité d’émotions et d’expériences – amour, affects, deuil, traumas, accidents de la transmission. L’artiste relâche un peu plus chaque rang, à l’image des moyens que trouve chaque génération pour se distancier des traumas qui la précèdent. Ces générations restent étroitement liées par des sentiments forts; il est impossible de se détacher de ce bagage dont tous n’ont pas fait l’expérience directe. Le titre de la pièce énonce une chaîne généalogique incluant les enfants de Shaw, sa mère, sa grand-mère et ainsi de suite…

… and other unseen forces

2023, Mylar réfléchissant tressé

Les tressages de Mylar de Tiffany Shaw font partie d’une série qui pense le geste manuel comme un répertoire de savoirs et une mémoire vive. Architecte, artiste, commissaire d’exposition, Shaw implique sa propre biographie dans les questions qu’elle soulève et que l’histoire officielle n’a pas su traiter. Elle « performe » avec le Mylar les allers-retours entre les ruptures et les transmissions d’une génération à l’autre : l’activation de nouages répétés fait d’une bande continue une surface. Celle-ci s’établit par la production de multiples discontinuités. La notion de traumatisme intergénérationnel, centrale pour les communautés autochtones, trouve dans ces objets un écho à la question de l’héritage et de la reconstruction. Deux ans après la mort de sa mère, Shaw resserre progressivement les rangs de cette pièce, comme pour solliciter la force des liens familiaux.

tuumasi kudluk

Série de dessins, 1980, crayon de couleur

This series of drawings is a part of a project from the 1980s that documented the daily life and traditions of the Inuit people. The ten visual elements presented here depict different aspects of sleep, such as the intimate nature of family living, techniques for preserving the body's warmth, and the presence of spirits that shamans occasionally conjure along with their apparitions early at night. In the 1980s, only a few professional artists worked with colored pencils. In Western tradition, colored pencils are often associated with children's drawings and have long been marginalized in the art field. Today, they are commonly used by contemporary Inuit artists like Shuvinai Ashoona and Annie Pootoogook. Inexpensive and readily available, colored pencils also serve as a bridge between writing and the use of color. While Tuumasi Kudluk is part of an index of Inuit sculptors and marionette makers, this series is preserved as an archive, and Kudluk, himself, primarily considered it a documentary series. The extensive nature of Kudluk’s project (he produced approximately 1,200 drawings), the inventive development of his formal range, his juxtaposition of text and image, his freedom in relation to Western representational codes, and his defiance of stereotypes encouraged by "well-meaning" colonizers all contributed to the development of his strong and unique style.

xavier le roy

Untitled (2012), 2012, pièce pour espaces d’exposition, avec 2 interprètes et 1 mannequin

Untitled (2024), 2024, pièce pour espaces d’exposition, avec mannequin

Mannequin réalisé par Coco Petitpierre

Dans la pénombre, Untitled (2012) nous met en présence de deux figures apparemment similaires et animées par un mouvement lent, aux antipodes du spectaculaire. Presque invisibles, volontairement illisibles, leurs évolutions paraissent liées sans que l’on sache exactement qui dirige qui. Cette situation d’incertitude interroge certains de nos mécanismes perceptifs, en particulier ceux liés à la reconnaissance du visible, et les relations entre le savoir et la mémoire. Untitled (2012) a d’abord été développé pour l’exposition 12 rooms, au musée Folkwang de Essen, en Allemagne. Elle fait partie d’une série de travaux pour le dispositif de la scène ou les espaces d’exposition que Xavier Le Roy a initié en 2005 et où l’obscurité et la limite entre inertie et mobilité établissent des zones d’indécision.

Pour Untitled (2024), les interprètes laisseront le mannequin seul dans une posture de repos. L’espace sera un lieu de pause, pour revisiter nos certitudes, observer d’infimes hésitations de nos sens, imaginer ou reconfigurer nos mondes.

yto barrada

Lit-ras-d’eau nº2, 2024, lit, bidons de pétrole, tissu, bois

Un radeau est une surface de flottement précaire, tenue par des liens, presque démontable. Il circule au plus près des mouvements de l’eau et des courants qui l’unissent temporairement aux rives. Il se confie à un milieu – un territoire et la multitude de contacts et de partages rendus possibles. Flotter, c’est risquer l’arbitraire. Pour Fernand Deligny (1913-1996), écrivain et éducateur des enfants dits autistes, le radeau était un des modèles des formes de vie communes expérimentées dans la région des Cévennes, sans pouvoir s’appuyer sur le langage. Ses idées inspirent toujours aujourd’hui une approche de l’humain qui a bouleversé la psychiatrie, l’anthropologie et les arts visuels. Ce lit en laiton et ses bidons devenus flotteurs forment un radeau pour dormir. Yto Barrada pense à Deligny pour associer la figure du radeau à celle du lit, et nous parler d’un sommeil migrateur, d’un corps jeté dans les aléas du monde sans recours à des outils de la civilisation. Des milliers de personnes s’exposent journellement à cette situation mortelle, d’une rive à l’autre d’une frontière, d’une mer ou d’un détroit, à la recherche d’un territoire, d’un sommeil réparateur, d’une vie.

exmuro

alexis gros-louis

Filigranes (textes cachés), 2024

Très engagé dans les questions posées par la conservation des traces, la muséologie et le traitement de la culture matérielle des Premières Nations et de la communauté wendate de Wendake, Alexis Gros- Louis explore ces « normes » qui parfois font office de « nature » et qui sont aussi des éléments de colonisation. Il a reproduit la natte traditionnelle wendate, qu’on confectionnait avec une plante comestible : la Typha latifolia. Placée au centre des maisons longues wendates ou emportée en expédition guerrière, cette natte matérialise l’hospitalité. Gros-Louis réinterprète également des éléments, dont certains sont conservés au Musée Huron-Wendat : un parement d’église, des objets liturgiques, des gorgets (pendentifs autochtones). Il éclaire les « textes cachés » en filigrane de certains documents historiques et autres objets muséaux, dont une ceinture wampum autrefois tenue par le grand chef wendat Nicolas Vincent Tsawenhohi. Ces éléments ready-made ou fabriqués renvoient à la fragilité de la notion d’authenticité, aux catégorisations ségrégatives du vocabulaire archéologique et, par-dessus tout, à l’imbrication paradoxale de la culture dominante dans celle des colonisés. La reconnaissance officielle, au Canada et ailleurs, du statut des Premières Nations, des dommages irrémédiables qui leur ont été infligés et des traumas qui en découlent n’est pas terminée. Sous les nouveaux récits, blessures et contradictions restent vives.

jumana manna

wild relatives, 2018, vidéo

Deep in the earth beneath the Arctic permafrost, seeds from all over the world are stored in the Svalbard Global Seed Vault to provide a backup should disaster strike. Wild Relatives starts from an event that has sparked media interest worldwide: in 2012 an international agricultural research center was forced to relocate from Aleppo to Lebanon due to the Syrian Revolution turned war, and began a laborious process of planting their seed collection from the Svalbard back-ups. Following the path of this transaction of seeds between the Arctic and Lebanon, a series of encounters unfold a matrix of human and non-human lives between these two distant spots of the earth. It captures the articulation between this large-scale international initiative and its local implementation in the Bekaa Valley of Lebanon, carried out primarily by young migrant women. The meditative pace patiently teases out tensions between state and individual, industrial and organic approaches to seed saving, climate change and biodiversity. As well as the cross-border movement of populations, resources, and capital witnessed through the journey of these seeds.

Pascale Leblanc Lavigne

Sculptures sur verre, 2024

Depuis plusieurs années, Pascale LeBlanc Lavigne conçoit des installations en mouvement – cinétiques – auxquelles elle inflige un fonctionnement accidentel ou de légères altérations. Ce sont des machines qui jouent, au sens propre du terme, de décalages ou de dysfonctionnements : un écart dans leurs rouages devient le motif même du projet, l’échec programmé produit des formes et devient un facteur d’invention. Sculpture sur verres associe l’histoire de l’assemblage, celle du cinétisme et la notion d’entropie. Grâce à un moteur, un mouvement de rotation d’un agencement de pièces de bois sur des morceaux de verre préalablement fracassés accentue leur destruction. Deux flagelles frappent la surface à intervalle irrégulier. Dans la pénombre, le résultat évoque la glace, le verglas ou la neige. Légèrement déréglée, volontairement boiteuse, la machine a du mal à remplir ses fonctions de base. Elle produit de l’entropie, cette tendance spontanée de la matière au désordre, à la dégradation, qui a inspiré à l’artiste Robert Smithson (1938-1973) une vision du monde qui échappe à l’emprise humaine.